sábado, 29 de diciembre de 2007

Dosis de sabiduría (XVI)

"No tienes porque gastar millones y millones. Piensa en ello, hay tomas en grandes cagadas de superproducciones que cuestan más que todo el presupuesto de una película realmente buena de cine independiente. No es la cantidad de dinero lo que al final importa, es lo que puedes hacer con lo que tienes."

-Bruce 'Ash' Campbell.


Entrevista a Bruce Campbell por ClassicSciFi.com

jueves, 27 de diciembre de 2007

Primera imagen de 'Quarantine'

A través de ShockTillYouDrop.com y cortesía de Arrow in the Head se ha podido ver la que es la primera imagen de 'Quarantine', película de la productora Screen Gems que llevará a las pantallas americanas la adaptación de la cinta española 'Rec', protagonizada por Manuela Velasco (ganadora del premio a la mejor actriz en el pasado festival de Sitges) y dirigida por Jaume Balagueró ('Frágiles').
La imagen nos muestra a la televisiva actriz Jennifer Carpenter ('Dexter') como la reportera de noticias Angela Vidal, preparando el reportaje sobre el seguimiento de "un día normal" de un equipo de bomberos de Nueva York.
La película retomará la historia de 'Rec', ésta vez trasladando la acción desde un modesto edificio en el cual se ambientaba la primera, a un complejo de apartamentos de la "gran manzana" donde los protagonistas tendrán que luchar por sobrevivir a la infección y salir vivos del edificio.
El estreno en los cines de 'Quarantine'se prevé para el 17 de Octubre del próximo año.

martes, 25 de diciembre de 2007

Reverendo Gore os desea Feliz Navidad

Reverendo Gore se despide hasta nuevo año, concretamente hasta el 1 de enero de 2008, día en el que volverá a iniciar la actividad del blog. No es nada más que un simple descanso para aprovechar las fiestas, dormir y ver películas.
Desde Geektorium os deseo unas felices fiestas a todos vosotros y a nuestro querido polícia neoyorkino John McLane, que por fin podrá disfrutar de las navidades sin que tenga que salvar el día otro año más.
¡Feliz Navidad!

Recomendaciones navideñas de Reverendo Gore:

Título: 'The Apartment' ('El Apartamento')
Año: 1960
Director:
Billy Wilder
Guionista:
Billy Wilder y I.A.L. Diamond
Reparto:
Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray...

Título: 'Black Christmas'
Año:
1974
Director:
Bob Clark
Guionista:
Roy Moore
Reparto:
Olivia Hussey, Keir Dullea, Margot Kidder, John Saxon...

jueves, 20 de diciembre de 2007

Trailer de 'Hellboy II: The Golden Army'

martes, 18 de diciembre de 2007

Pearl Jam: Story Tellers (II)

Hacía tiempo que quería hablar de una canción del grupo Pearl Jam. Una de las canciones de este grupo me rondaba por la cabeza desde hace años, creo recordar que, de hecho, fue uno de mis primeros acercamientos a las variantes del heavy metal, entre ellas, la música grunge. Era inevitable que en el descubrimiento de esa "rama" de la música "metal" llegara a Pearl Jam tarde o temprano. Y allí estaba 'Do The Evolution' para recibirme.
'Do The Evolution' (literamente 'Haz' o 'Practica la evolución') fue uno de los mayores éxitos del grupo. Perteneciente a su album Yield, y a pesar de no ser lanzada al mercado como single, 'Do the evolution' alcanzó el puesto 33 en el ranking del Modern Rock Tracks, además de dos nominaciones a los premios de la música Grammy de 1999: una, a la mejor interpretación de Hard Rock, y otra por el mejor video musical. A pesar de no ganar ninguna de esas nominaciones, el mérito del vídeo, la canción y del grupo,por haberla compuesta, ya era indudable.
La animación que muestra el videoclip cayó en las manos de dos portertos del cómic, Kevin Altieri, conocido por la dirección de la serie animada de Batman, y Todd McFarlane, autor de Spawn, y el cual trabajaría años después en otros dos videoclip animados: para Korn y su 'Freak on a Leash', y para el grupo Disturbed y su versión del 'Land of Confusion' de Genesis. Otra canción con un gran trasfondo de pesimismo y autocrítica por el rumbo que ha tomado la humanidad. Sólo 16 semanas se tardó en terminar el videoclip y sacarlo a antena.
La banda reconoció haberse influenciado por Ishmael, novela del escritor americano Daniel Quinn. Canción y vídeo se convierten en un testimonio visual de la evolución humana, su nacimiento, su "progreso" y su autodestrucción.


"I'm ahead, I'm a man,
I'm the first mammal to wear pants, yeah,
I'm at peace with my lust,
I can kill cause in God I trust, yeah
It's evolution, baby"

lunes, 17 de diciembre de 2007

Citas de películas: 'El guerrero nº 13'

"Padre misericordioso, he derrochado mis días planeando muchas cosas. Ésta no era una de ellas. Pero en este momento, te pido que me permitas vivir los próximos instantes con valor.
Por todo lo que debimos pensar, y no pensamos; por todo lo que debimos decir, y no dijimos;por todo lo que debimos hacer, y no hicimos.Te imploramos, Dios, tu benevolencia."


jueves, 13 de diciembre de 2007

Trailer de 'The Machine Girl', el último experimento en cine violento japonés

Poco sabíamos del proyecto conocido como 'Kataude Mashin Gâru' hasta escasos días en los que se comenzaban a mostrar los primeros pósters promocionales de la película y el trailer, adelanto de la cinta japonesa más "bizarra" y violenta de los últimos años, con perdón del cine de Kitano.
Rebautizada para el mercado occidental como 'The Machine Girl', la película verá la luz para el próximo año 2008.
'The Machine Girl' ha sido dirigida por Noboru Iguchi, autor de otros filmes menores que no han salido de Japón, y el cual firma también el guión de la cinta.
La película está destinada seguro a convertirse, si al menos no en un clásico, en un nuevo referente del cine gore. La cinta combinará sin orden ni sentido ninjas yakuza, guillotinas voladoras, un sujetador taladrador ("drill bra"), la protagonista -una joven estudiante japonesa-, y probablemente más sangre y "casquería" de la que hemos podido llegar a ver en todas las películas de un género menor como es el gore, juntas. Es imposible compararla con 'Planet Terror' de Robert Rodríguez y ver cierto propósito de superarla, haciéndola más divertida y sangrienta (si es posible) que la mencionada.


martes, 11 de diciembre de 2007

Dosis de sabiduría (XV)

"No me atraen los guiones caóticos, repletos de peripecias. La claridad y la nitidez son más difíciles de conseguir y hacen más vulnerable la relación con el espectador, pero como contrapartida, da un poder mayor."
-David Cronenberg.



Publicación: Revista Positif. Núm.537. Noviembre 2005

lunes, 10 de diciembre de 2007

Crítica: 'Hitman' (2007)

Llevamos años "padeciendo" ante los nuevos proyectos de la industria hollywoodiense, y temiendo, tanto aficionados al cómic como a los videojuegos, cuál va a ser su próxima incursión en las taquillas americanas, ¿con que descabellado proyecto sacado de ese cajón de sastre que deben tener cuando escasean las ideas originales nos sorprenderan?. Algunas de esas ideas se convierten inexplicablemente en "taquilleras", pero eso lo dejamos a misterio de los gustos del público.
Como siempre vuelve a ser un error recurrente en el cine haber confiado un presupuesto deorbitado a una franquicia de videojuegos, que si bien resulta entretenida por participativa como entretenimiento visual, no termina por funcionar como película.
Con esa situación se encuentra uno al "disfrutar" de 'Hitman', película dirigida por Xavier Gens, realizador que no tardará en volver a decepcionar en las salas de cine con 'Frontiére (s)', película a la que ya podimos asistir en la última edición del Festival de Sitges y que comparte con 'Hitman' el regusto de ser un proyecto demasiado ambicioso en manos equivocadas.
Si bien, no toda la responsabilidad de la película recae sobre Gens, también el guión de Skip Woods, que prepara próximas joyas más a recaste de los mitómanos como la adaptación de los conocidos muñecos 'G.I.Joe' a la gran pantalla, es culpable de la masacre a la que se ha visto sometida el juego de la compañía Eidos Interactive, allá en el año 2000 bajo el título de 'Hitman: Codename 47', y contando con varias entregas.
El Hitman de Xavier Gens conserva ese aspecto frívolo y canalla que había caracterizado al personaje en el videojuego, un matón frío y cuidadoso encargado de los asesinatos más rebuscados, pero que Timothy Olyphant encarne eficientemente al protagonista, se convierte en una tarea casi imposible. Añadida la dificultad de encarnar a un asesino no muy famoso por mostrar su faceta más expresiva, se añade el problema de que Olyphant no resulta ni siquiera convincente en la tarea de personificar al Agente 47.
Todo eso, convierte a 'Hitman' en un producto a despilfarro de medios y esfuerzo, lucimiento de un Olyphant sin terminar de sacar brillo a una actuación que deja poco que desear, tanto como personaje en sí, con un pasado y una motivación propia (por muy clon que sea), como asesino metódico, que a diferencia de su homónimo videojueguil, a éste se le exige mayor franqueza en su papel.
Sólo hay que ver la excelente historia de una de sus últimas entregas, y la más conocida, ‘Hitman: Blood Money' para valorar lo que como adaptación podría haber supuesto la película, no llegando a revolucionar el género de acción, pero al menos ofreciendo una alternativa interesante entre entrega y entrega de James Bond, y con posibilidades de éxito y secuelas (quien diría más).
La película de Xavier Gen no tiene ningún mensaje que transmitir, muchas películas no lo harán, pero lamentablemente Gens así lo pensaba. Gens intenta tapar los imperfectos de su película y el “reparto de golpes” sin sentido al que se llega como conclusión tras media hora de película, dejando de lado toda trama o pasado del personaje, la cual, aún con la excusa de "intentar hacernos creer" una historia de amor entre salvador (47) y salvada (la chica rusa que conoce nuestro protagonista,Nika), con subidas escenas de cama que no hacen nada más que terminar en un “quiero y no puedo” (nunca mejor dicho), y una supuesta reflexión sobre el uso de la “violencia” como una causa mayor, la de proteger y servir.
El argumento del videojuego resultaba efectivo: una serie de misiones a cumplir, una subhistoria intercalada en la acción...todo eso sin perderse en generalidades, en las cuales cae la película.
Las comparaciones son odiosas, y bien es cierto que ninguna adaptación cinematográfica de videojuego ha conseguido convencer crítica y público juntos (no intenten hacer memoria, no ha habido ninguno hasta la fecha), pero tratar de engañar al público, haciéndole creer que tras el horroroso póster se encuentra una película que merece una oportunidad, no es sólo culpa del ingenuo espectador que lo cree, también de algunos productores que por insitencia o publicidad nos convencen para no dejar pasar entretenimientos tan patéticos como éste.

+ La esperanza de ver productos futuros con mayor aspiración que vender palomitas.
- Un Timothy Olyphant que parece debatirse entre la sobriedad y la sobreactuación.

domingo, 9 de diciembre de 2007

Primeros cuatro minutos de la "polémica" 'Postal', de Ube Woll


Nos llegan los cuatro primero minutos de 'Postal: The Movie', la próxima película del descalificado director Uwe Boll y nueva adaptación de una conocida franquicia del videojuego.

Basándose en el juego políticamente incorrecto titulado 'Postal: Running with Scissors', y con la alarma de todas las distribuidoras de películas, el director alemán Ube Woll, autor por otro lado de las fallidas 'House of the Dead', 'Alone in the Dark', 'Bloodrayne' (todas ellas adaptaciones a la gran pantalla de conocidas entregas de videojuegos), prepara su vuelta al cine con un producto controvertido, destinado a cosechar todo tipo de críticas, especialmente por las imágenes que podreís ver en el vídeo que acompaña a esta entrada, y con las cuales, comenzará la película.
El estreno oficial de 'Postal: The Movie' tuvo lugar el pasado 18 de Octubre en Alemania, después de pasar por varios festivales, entre ellos el Fantasia Film Festival de Canada y el London FrightFest Film Festival celebrado en Reino Unido.
Sólo queda esperar para ver cuándo llega a España. ¿En salas o directamente al mercado doméstico? Un servidor, apuesta por lo segundo.

sábado, 8 de diciembre de 2007

Recomendaciones de Reverendo Gore: cine de acción

Título: 'Ases Calientes' ('Smokin' Aces')
Año:
2006
Director:
Joe Carnahan
Guionista:
Joe Carnahan
Reparto:
Ryan Reynolds, Ray Liotta, Ben Affleck, Andy Garcia, Alicia Keys...


Título: 'Arma Fatal' ('Hot Fuzz')
Año: 2007
Director: Edgar Wright
Guionista: Edgar Wright y Simon Pegg
Reparto: Simon Pegg, Nick Frost, Timothy Dalton, Jim Broadbent...


Título: 'Shoot 'Em Up' ('En el punto de mira')
Año: 2007
Director: Michael Davis
Guionista: Michael Davis
Reparto: Clive Owen, Paul Giamatti, Monica Bellucci, Stephen McHattie...

jueves, 6 de diciembre de 2007

Citas de películas: 'Alta Fidelidad' (I)

"Grabar una gran cinta recopilatoria es como romper con alguien, se tarda más de lo que imaginabas. Hay que empezar a lo bestia para llamar la atención, y luego ir aumentando la intensidad pero sin pasarte de vueltas porque luego hay que bajar de golpe. Hay un montón de reglas…En fin, he empezado a grabar una, en mi cabeza, para Laura, con cosas que le gustan, cosas que la harán feliz. Por primera vez creo que sé como se hace."

lunes, 3 de diciembre de 2007

'28 días después', de Danny Boyle (II): Análisis

Los personajes y la música:

Danny Boyle nos presenta unos personajes creíbles, entre los cuales sobresalen Jim (Cillian Murphy) y Frank (Brendan Gleeson), más que convincentes en su papel de supervivientes masculinos. El resto del reparto lo componen Naomie Harris (Selena), Megan Burns (Hannah) y Christopher Eccleston (Henry West), pero sin ceder protagonismo a Jim, protagonista indiscutible de la historia. La película se apoya en el buen trabajo de un reparto con rostros poco conocidos; si acaso, el más conocido sea Cillian Murphy (‘Batman Begins’, ‘Sunshine’). Esto tiene su explicación en que Boyle quisiera rodar la película con actores desconocidos para hacerla más realista, una apuesta más que acertada considerando que con rostros conocidos a los espectadores les habría costado más entrar en situación, y por tanto, tardarían en identificarse con los protagonistas. Boyle quiso contar primero con Ewan McGregor, con el que hubiese repetido después de Trainspotting y Una historia diferente (1997), para el papel protagonista; finalmente, el papel recayó sobre el mencionado Cillian Murphy.
En lo que respecta a la música, Boyle abre la película con ‘East Hartings’ del grupo canadiense ‘Godspeed You! Black Emperor’, el tema más interesante de toda la banda sonora. Este lento y elegíaco comienzo, cuya música se construye prácticamente de la nada hasta un apocalíptico crescendo, sirve de paralelismo con el ritmo de la película, y contrasta a la perfección con el desolador tema de Brian Eno, ‘An Ending Descent’. Por otro lado, el compositor John Murphy realiza un trabajo más que aceptable, a pesar de que muchos de los temas compuestos para la película sirvan más a la inquietud de Boyle por “ambientar” las escenas de acción, que el de crear tensión o emoción.

La dirección de Danny Boyle: Londres captada por la cámara digital
La impecable puesta en escena afronta las limitaciones de la producción, recurriendo en contadas ocasiones a los efectos especiales o a los maquillajes truculentos para impresionar al espectador. Además, se agradece la apuesta de rodar la mayor parte del metraje en exteriores en lugar de subterráneos oscuros, opresivos y claustrofóbicos, típicos en las películas con esta temática. Otra cosa bien distinta es que la idea original esté más que agotada, que el guión sea previsible y que los “infectados” provoquen más hastío que terror. A lo largo de la película se llega a percibir cierta falta de ritmo, al igual que una muestra de arrogancia y menosprecio por la audiencia, sin aclarar hacia que “público” está dirigida la cinta. 28 días después mezcla varios géneros, desde las reminiscencias al género de terror y la ciencia ficción, el drama, la clásica historia de amor y lo “filosófico”, saltando varias veces de uno a otro de forma brusca, todo para cumplir con uno de los retos de la película: llegar a una mayor audiencia.
Los tópicos de la puesta en escena, la fotografía, la dirección artística y el montaje (todo esto llevado al campo de la grabación digital) dan imágenes con mucha variación y contraste cromático. Los elementos visuales de la película llaman especialmente la atención sobre el espectador, empleando una textura diferente a la de una película normal como recurso para transmitir el ambiente apocalíptico de la cinta. También, se altera el color y la luz de la película de forma ocasional, sobre todo para crear la realidad extraña en la que se encuentran los protagonistas. Esto se debe en gran parte al meticuloso trabajo de dirección de Danny Boyle, con la colaboración del director de fotografía Anthony Dod Mantle, el cual desempeña una impresionante faena tras el objetivo de la cámara digital, empleada para la grabación de la película.
Uno de los beneficios que aporta el uso de la grabación digital sobre la “tradicional” es la posibilidad de captar toda la energía que descargan los infectados en la película con sus movimientos. La cámara digital permite a Danny Boyle alterar el frame rate, con lo que las cosas parecen suceder a más velocidad de lo que de hecho son en realidad.
La idea de utilizar imágenes más rápidas de lo normal, se crea para ponernos en la vista subjetiva de los infectados: la percepción de profundidad y distancia se alteran durante el estado de infección, recurriendo a esta “perspectiva” durante las escenas de acción protagonizadas por los infectados.
Las secuencias de Londres habrían sido imposibles de rodar en celuloide, y no solo eso, habrían sido completamente diferentes. El proceso de grabación con cámaras digitales se hubiera convertido en una tarea imposible, menos ambiciosa y con un presupuesto desorbitado. Sin embargo, la utilización de este tipo de cámaras también trae consigo algunas desventajas. En varios momentos de la película, especialmente en los planos generales o que nos ofrecen una imagen panorámica, la calidad de la imagen desciende considerablemente, lo que estropea bastante el conjunto de la composición.
La posición de las cámaras parece estudiada al milímetro, muchas veces mostrándonos encuadres imposibles, inclinados, que pretenden recoger toda la ciudad. La principal dificultad de rodar en escenarios urbanos, y con el tiempo en contra, obligó a usar hasta 10 cámaras. Éstas están colocadas cuidadosamente, de forma que no se interpongan con los protagonistas, muchas veces, observándolos como un ojo ajeno desde una posición elevada y que permite captar el aislamiento y la incomunicación a la que se enfrentan.
La falta de medios para representar la “masacre” vivida en las calles de Londres, obligó a recrear un Londres desierto y “abandonado”, que finalmente les dio con la imagen icónica que necesitaban para crear la atmósfera propicia para el film: una ciudad familiar, y al mismo tiempo, claustrofóbica e inquietante.
Lo único discutible en la película, considerándolo como una pequeña excentricidad del director, es el “poco juego” que Boyle da a algunas “imágenes”, especialmente al final, y que pueden pasar inadvertidas para el espectador, como la “amenazante” estatua griega de Laocoonte en el hall de la mansión controlada por los militares, que presagia el “final” del mayor West, o el mapa de Londres (insertado en el montaje de una de las escenas finales) bajo el que se puede leer “HELL” (infierno).
A medida en que el género de terror se va convirtiendo en farsa grotesca, es de agradecer que Boyle se atreviera con la historia de 28 días después, un producto correcto y entretenido, aunque calcado de películas más ilustres y menos recordadas.

jueves, 29 de noviembre de 2007

El cantante de Quiet Riot hallado muerto

El cuerpo de Kevin DuBrow, que llegó a la fama en principios de 1980 con Quiet Riot, fue encontrado en su casa de Las Vegas

Kevin DuBrow, vocalista de la popular banda de heavy metal Quiet Riot, ha sido hayado muerto por causas desconocidas en su casa de Las Vegas, de acuerdo al comunicado emitido por las autoridades el pasado lunes.
DuBrow, de 52 años, falleció aproximadamente las 5:20 de la tarde del domingo. La portavoz del departamento de policía 'Clark County Coroner', encargado del caso, declaró que la autopsia proporcionara más información para determinar la causa de su muerte.
El amigo de Dubrow y componente de la banda, Frankie Banali, comunicó en su página web que "Ni siquiera puedo encontrar las palabras para hablar".

miércoles, 28 de noviembre de 2007

'28 días después', de Danny Boyle (I)


Resucitando a los "muertos vivientes": '28 días después'

El género de zombies, un terreno recientemente desempolvado por la industria cinematográfica, ha contado con interesantes trabajos en los últimos años, algunos de los cuáles le deben mucho al filón que supuso la cinta de Danny Boyle, 28 días después (2002), un proyecto poco ambicioso con el que se pretendía revitalizar este género, creado por el maestro George A.Romero y su mítica La noche de los muertos vivientes.
Sin ser ningún genio, el director británico Danny Boyle, ya demostró en películas como Trainspotting (1996) o La playa (2000/1) que se maneja con cierta habilidad en el género de acción. Con 28 días después, Boyle se acerca al cine de terror, inspirándose en clásicos como El último hombre sobre la Tierra (‘The Last man on Earth’, 1964) , El último hombre…vivo (‘The Omega Man’,1971) (estas dos libres adaptaciones de la novela de Richard Matheson I am Legend) o ‘The Green Ray’ (1926), las tres, ambientadas en un mundo post-apocalíptico, y las cuales tomaron como referencia tanto el director como el guionista de la película, Alex Garland, a la hora de concebir la historia de 28 días después.
28 días después se convierte en un acercamiento profano al género de zombies, a pesar de que, como bien defiende su director, se trate en esta ocasión de “infectados, y no de “muertos vivientes”, como se podía esperar al ver algunas imágenes de la película.
Con una actitud poco usual al rodar una cinta de terror, Boyle procura hacer sobre todo un buen trabajo, y en esa “humildad” de no pretender ser original, sino hacer buen cine de género, consigue aportar algo novedoso a su película: una respuesta psicológica en el espectador, una reflexión humana sobre la actualidad del mundo, el miedo y la violencia, sin caer en que la trama se convierta en un panfleto político.
La película de Boyle, presentada en el Festival de Sundance, fue la grata sorpresa del 2002, proveniente una vez más del Reino Unido, un país que alcanza cada vez más fuerza frente a la industria americana de Hollywood, en gran parte gracias a directores como el que nos ocupa con el análisis de esta película.
28 días después es una más que agradable revisión del cine de catástrofes y de los clásicos de terror de Dario Argento o Lucio Fulci; aunque, a diferencia de estos dos directores, Boyle apuesta por hacer reflexionar al espectador, dejando de un lado el rizo chistoso y tópico al que se comenzaba a recurrir con este tipo de cintas, y sin amenazar con prolongar la serie, a pesar de contar con la mediocre secuela 28 semanas después, que a diferencia de la anterior, no llegó a cumplir con las expectativas de público y crítica.

Muertos vivientes, zombies, y ahora..."infectados"

La acción de 28 días después transcurre en el Londres de la actualidad, con lo que desde el principio los tópicos del género están tratados de forma original; pocas veces, el Reino Unido ha sido protagonista de cintas como ésta.
Técnicamente los monstruos de Danny Boyle no pueden calificarse como zombies; sin embargo, es inevitable comparar a los “infectados” de 28 días después, pobres desafortunados que han sido contagiados con un virus mortal que los convierte en bestias, con los zombies o “muertos vivientes”. Contrariamente, a la tradición de las cintas de terror, los “contagiados de ira” de Boyle son adversarios rápidos, humanos movidos por una ira incontrolable que hacen uso de una fuerza y velocidad inusual, lo que los hace más peligrosos que los clásicos zombies. Dos años después, Zack Snyder (director de ‘300’) “robaría” la idea de Boyle para el remake de El amanecer de los muertos de Romero.
Pero Boyle también tomó referencias de otras cintas para su propia obra. La película de George Romero ‘The Crazies’(1973) ya presentó en su momento una idea parecida, la de personas movidas por una furia asesina; sin embargo, en las manos de Boyle, es la base de una cinta con estilo y ocasionalmente una película aterradora, que aprovecha, más que esta idea (que daría lugar a un festival de sangre y tripas en las manos de otro director), las inmensas posibilidades de rodar en escenarios como pleno Londres o Manchester.
El momento histórico planteado para la película sobrepasa incluso la actualidad. El “virus” protagonista de la película (provocado por el contagio de los chimpancés fruto de un estudio científico sobre la “violencia”) se lleva en el torrente sanguíneo, transmitiéndose a través de la saliva o la sangre, como explican al comienzo de la película. Es inevitable alguna conexión con el Síndrome de Inmunodeficiencia Adquirida, más conocido como SIDA. Obviamente, no está basado en dicha enfermedad, ya que (como bien dejó claro el director durante la presentación de la película) es más parecido a enfermedades como el ébola, la hidrofobia o la rabia. Evidentemente hay un trasfondo médico en todo esto y se muestran patologías de estas y otras enfermedades.
La reciente histeria vivida hace escaso años por el ántrax fue muy importante a la hora de concebir el argumento de la película. La idea de poner el virus en la mente del espectador, la perspectiva aterradora de ser “contagiado”, es lo que hace a la película tan actual y contemporánea. Del mismo modo que las películas de zombies se recreaban en la paranoia y el miedo irracional a una guerra nuclear, esta película nos da algo más sobre lo que pensar, algo tan cercano y corriente como el miedo a enfermar, lo que Boyle definía como “un virus psicológico”.
El director Danny Boyle nos presenta con 28 días después una “paranoia contemporánea” regodeándose en el pánico hacia la enfermedad y la infección viral, y convirtiendo su historia en un relato post apocalíptico, de supervivencia, que alberga incluso una potente crítica política, en parte por el papel que se da a los militares en la cinta, o la respuesta mundial “de aislamiento” durante los más de 28 días en los que se desarrolla la “cuarenta” en el Reino Unido.

domingo, 25 de noviembre de 2007

Primer trailer de 'Trick 'r Treat'

'Trick 'r Treat' es el título de la última producción del director Bryan Singer ('X-Men', 'Superman Returns'), que promete desde hace tiempo un nuevo giro en las películas de terror.
Ambientada en la noche de Halloween, la cinta está protagonizado por Anna Paquin, Dylan Baker, Brian Cox y Leslie Bibb, bajo las órdenes del director Michael Dougherty ,guionista de 'X-Men 2' y co-productor junto a Singer (éste último a punto de estrenar su esperada 'Valkyrie') de 'Trick 'r Treat'.
'Trick 'r Treat' nos contará cuatro historias ocurridas durante la celebración de la festividad americana de Halloween: la vida secreta como asesino en serie del director del instituto local; una adolescente virgen que acaba de conocer al chico de sus sueños; la travesura de un grupo de chicos; y una mujer que tiene que lidiar durante toda la noche con su esposo, obsesionado por la festividad.
A pesar de que el estreno se preveía para el 5 de octubre de 2007, la película carece de fecha de estreno oficial, pero contando con el éxito en taquilla del 'Halloween' de Rob Zombie, no tardaran en anunciar y promocionar la cinta que ya ha sido calificada como 'Rated-R' por el contenido violento y explícitamente sexual de algunas de sus escenas.



sábado, 24 de noviembre de 2007

In memoriam...Eric Carr (1950-1991)

Hoy es el 16º aniversario de la muerte de Eric Carr. Le perdimos demasiado pronto.

viernes, 23 de noviembre de 2007

Citas de películas: 'Ash vs Army of Darkness' ('El ejército de las tinieblas')

"¡Prestad atención! ¿Veis esto? Esto es mi escoba de fuego, es una Remington de dos cañones del calibre doce, lo mejor que puede ofrecer almacenes S-Mart. La encontraréis en la sección de caza y pesca. Esta maravilla ha sido fabricada en Grand Rapids, Michigan. Su precio de venta es de 195, la culata es de nogal y los cañones recortados de acero azul cobalto, tiene un gatillo finísimo, ya lo ven...compre elegante, compre en S-Mart... ¿¡Lo habéis entendido!?"

lunes, 19 de noviembre de 2007

Próxima reportaje: El fenómeno "Cazafantasmas"


¿A quién vas a llamar? Esta vez un video juego a la altura.

viernes, 16 de noviembre de 2007

La Salamandra que grita verdades (I)

Monólogos de la Salamandra que grita verdades para la gente pequeña, de vida sencilla y sin ideas preconcebidas sobre las salamandras parlantes.
Esta semana, una breve reflexión sobre el descubrimiento del fuego por el hombre.

jueves, 15 de noviembre de 2007

Journey-Any Way You Want It

¿Qué fue de los éxitos de Journey?¿Por qué ya nadie recuerda aquellas entrañables canciones que nos hicieron más facil la transición entre los 7o y 80? Haciendo memoria puede que alguna vez hayáis escuchado la melancólica 'Lights', 'Separate Ways', la divertida 'Stone in Love', el sonido de finales de los setenta de 'Wheel In The Sky', o a juicio personal, las dos mejores canciones de esta banda america formada en 1973 y proveniente de San Francisco, 'Don't Stop Believing' y por supuesto, 'Any Way You Want It'.
'Any Way You Want It' fue el single más popular de la banda y precursor de la oleada de "felicidad melódica y pop" que identificarían la decada de los ochenta. Escrita para el album Departure, fue lanzado como single en 1980.
La banda, capitaneada por Steve Perry (voz del grupo) y el guitarrista Neal Schon, alcanzó un gran éxito con el tema, llegando al puesto 23 de las 100 más oídas (el Billboard 100). No tardó en convertirse en un clásico de la época, gracias a su pegadiza letra y el expléndido solo de guitarra de Schon.
Algunos de los lectores más "televisivos", reconocerán 'Any Way You Want It' por su aparición en la serie norteamericana de dibujos más querida en América, Los Simpsons, en el capítulo titulado "Burns, Baby Burns" (referencia a parte de la canción discotequera "Burn, Baby Burn" (Disco Inferno), invocada por Homer segundos antes de que aparezcan los créditos de cierre.

miércoles, 14 de noviembre de 2007

Dosis de sabiduría (XIV)

"Hay niños terminales cuyo último deseo es conocerme."
-David Hasselhoff, actor volcado en las causas humanitarias.

viernes, 9 de noviembre de 2007

'Equilibrium': futuro rejuvenecido

Casi todo el material de consumo que está generando la industria de la ciencia ficción en los últimos años está recayendo en lo convencional, aportando poco o nada a la larga trayectoria que iniciaron filmes entrañables como ‘Planeta Prohibido’ o, adelantándonos un poco más en el tiempo, ‘La guerra de las galaxias’.
Años después de que ‘The Matrix’(1999) reventara la taquilla y reinventara el género, añadiendo la filosofía más trascendental a la ecuación de las efectivas películas de ciencia ficción, el director y guionista, Kurt Wimmer (tras que el se encuentran los libretos de ‘La prueba’ (2003) y la lamentable ‘Ultraviolet’,del 2006) comenzó a concebir la historia de ‘Equilibrium’(2002), un filme que llega a ser tan trepidante y dramático como lo fue en su momento la película de los hermanos Wachowski.
‘Equilibrium’ es la historia de un hipotético futuro en el que sentir se ha convertido en una actividad ilegal y perseguida por la raza humana. Tras la Tercera Guerra Mundial, el mundo se enfrenta a su propia autodestrucción. Para evitarlo, se crea el código “clérigo grammaton”, nueva sección de la Ley cuya única máxima es buscar y erradicar “la verdadera fuente de crueldad humana”, la capacidad de tener sentimientos.
El polifacético Christian Bale, al que próximamente podremos ver en la secuela de ‘Batman Begins’, 'The Dark Knight' , encabeza el reparto de este filme, que cuenta también con la participación del televisivo Dominic Purcell (‘John Doe’, ‘Prison Break’), que en un primer momento iba a interpretar el papel de Bale, junto a Taye Higgs, Emily Watson y Sean Bean, más conocido por su papel de Boromir en El señor de los anillos.
La película pretende ante todo reflexionar sobre el futuro y naturaleza de la raza humana, presentándonos una sociedad autómata, la llamada “Libria”, perfectamente organizada, sometida al consumo del fármaco prozium, un efectivo inhibidor de los sentimientos, y cuya protección recae sobre el clérigo protagonista John Preston (Christian Bale), siempre bajo la mirada del incansable vigilante y líder, “Padre”.
La película pretende llevar a la consecución lógica el viejo proverbio del filósofo Friedrich Nietzsche cuando dijo que “El hombre es un lobo para el hombre”, planteamiento filosófico puesto en la película al servicio de la acción y la violencia gratuita, más contenida por otro lado que otras cintas.
La huella de los Wachowski y del cine de artes marciales no pasa inadvertida. ‘Equilibrium’ no trata de disimularlo, incluso se aprovecha de ello, ofreciéndonos coreografías que, aunque quizás parecen demasiado “falseadas”, recuerdan a los mencionados, eso sí, sin llegar a la exageración de cintas de acción como ‘El único’, protagonizada por Jet Li.
Fotografía y ambientación comparte más de una similitud con la reciente ‘Hijos de los hombres’ (2006), empleando casi exclusivamente colores azules, fríos, que transmiten a la perfección la sobriedad de la trama de la película, al mismo tiempo que la utilización de iluminación natural o artificial en función de la parte de la ciudad en la que se plantee la acción.
Otro de los principales atractivos de ‘Equilibrium’ radica en la simpleza de la representación de este “futuro próximo”. Vestimenta, imaginario armamentístico y demás entresijos a destacar dentro de una producción de sci fi (como dirían los sajones) están ideados por el director, que no pretende hacer elucubraciones más propias de Spielberg, refiriéndome a ‘Minority Report’ o ‘Inteligencia Artificial’, o de Alex Proyas en ‘Yo, robot’, y responde más a una finalidad estética, al mismo tiempo que no se aleja demasiado del tiempo actual (vemos por ejemplo la utilización del modelo Beretta M93 RS, variante de la serie M92 que se utiliza en la actualidad, el diseño de la ciudad ‘Libria’ o los coches que usan los protagonistas).
El director Kurt Wimmer plantea una mañosa escenificación en ‘Equilibrium’, concebido con aspiraciones taquilleras pero que se quedo a mitad de camino, a pesar de contar con dos nominaciones durante el año 2003: una, en los American Choreography Awards, y otra en los premios Phoenix Film Critics Society.
Como curiosidades en la película cabe mencionar que gran parte de la acción está inspirada, sin ninguna pretensión de ocultarlo, en la pesimista novela del escritor y periodista británico George Orwell (1903-1950), 1984, y destacar que el personaje de John Preston es el responsable, durante la película (de acuerdo a la información suministrada por imdb), de 118 de las 236 muertes que contiene (aunque a priori no parezcan tantas en el transcurso del filme, opinión personal a parte), gracias al arte marcial practicado por los clérigos, el “gun kata” (“pistola kata”), ideado por el director en el patio trasero de su casa.
Todo esto, excusa a parte de lo que ha haya quedado fuera de la crítica o análisis del filme (mucho de ello con la pretensión de no desvelar nada del argumento), es lo que lleva a recomendar que el público aprecie lo que ofrece ‘Equilibrium’, un soplo de aire fresco dentro del género y una película de culto (no tanto para la crítica estadounidense como para el público aficionado), que mezcla a la perfección acción con un guión inteligente.

Diagnóstico: 4/5.

Lo mejor:
La escena compartida de Bale y Sean Bean en la iglesia.

Lo peor:
Las comparaciones odiosas y la previsibilidad del argumento en contadas ocasiones.

miércoles, 7 de noviembre de 2007

El imitador Bateman (III): Alegre paseo

Aviso: Las referencias violentas de la entrada no tienen que ver con ningún acto real. Únicamente tomando como referencia la complicada psiche del personaje creado por el novelista Bret Easton Ellis, Patrick Bateman, en 'American Psycho', se publicarán una serie de citas ficticias que ni pertenecen al mencionado personaje ni pretenden hacer pasar por suyas.
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Día 27, mayo de 1998


“Iba caminando alegremente cuando un hombre se me ha acercado. Se ha plantado delante mío y ha extendido la mano para darme un papel, creo que se trataba de un folleto. El hombre se ha puesto frente a mí, a menos de dos dedos de su cara. Podía oler su aftershave barato. He intentado llevarme la mano a la boca pero parece que ha interpretado mi movimiento como si fuera a coger el folleto que me ofrecía. No he tenido más remedio que aceptarlo.
Con los guantes puestos lo he cogido amablemente y lo he metido en el bolsillo interior de mi chaqueta. Sin duda he hecho mal quedándome esperando su reacción, creía que se apartaría y me dejaría continuar mi lozano trote, pero se ha puesto a hablarme. Parecía que vomitaba las palabras sobre mí, mientras con los brazos realizaba cómicos aspavientos. –Eres un gran hombre, ¿verdad?- le he dicho. De repente se ha callado y ha seguido entreteniendo a una pareja que pasaba a mi lado. Cuando he llegado por fin a casa, el perro de mi adorable vecina octogenaria seguía ladrando…”

-Firmado, "el imitador Bateman".

martes, 6 de noviembre de 2007

El imitador Bateman (II): Por el desagüe

Aviso: Las referencias violentas de la entrada no tienen que ver con ningún acto real. Únicamente tomando como referencia la complicada psiche del personaje creado por el novelista Bret Easton Ellis, Patrick Bateman, en 'American Psycho', se publicarán una serie de citas ficticias que ni pertenecen al mencionado personaje ni pretenden hacer pasar por suyas.
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Día 3, junio de 1998

“Hoy he intentado arreglar la cisterna del retrete. Después de mi última chapuza no quedo muy bien parada, la verdad. Camiseta engrasada, manos mugrientas, es todo lo que he conseguido tras horas desmontando y recolocando cada una de las pequeñas partes del aparentemente sencillo entramado de mis tuberías empotradas. Pero no todo el día ha sido tan triste, al tirar de la cadena, comprobando efectivamente que no lo había arreglado, la cisterna ha soltado un chillido agudo, me ha recordado momentos más felices. Puede que fuera alguna pieza rozando la una contra la otra, pero en cierto modo ha sido mágico. Allí estaba yo,sentado a su lado, tirando una y otra vez para volver a escuchar ese simpático sonido. Me ha hecho sonreir las diez primeras veces, no ha sido un mal día después de todo. La arreglaré otro día.”

-Firmado, "el imitador Bateman".

domingo, 4 de noviembre de 2007

El imitador Bateman (I): Encuentro a altas horas de la noche

Aviso: Las referencias violentas de la entrada no tienen que ver con ningún acto real. Únicamente tomando como referencia la complicada psiche del personaje creado por el novelista Bret Easton Ellis, Patrick Bateman, en 'American Psycho', se publicarán una serie de citas ficticias que ni pertenecen al mencionado personaje ni pretenden hacer pasar por suyas.
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Día 16, mayo de 1998:


"Encuentro estimulante el reducir la cara de una persona a un charco de huesos húmedos. Es casi poético. No le falta ironía que con cada golpe que doy su cara sea más irreconocible, él se convierta en menos, menos de lo que fue hace una hora cuando empecé, y yo me crezca sobre él. Hay algo fascinante en machacarte los nudillos contra su nariz, sentir como el codo te tiembla con cada extensión de tu brazo...por fin uno se puede sentir completo. En serio que te envidio muchacho, no sólo estás disfrutando de esta increíble experiencia, sino que al margen de que probablemente mi puño y mi expresión de conformidad, de pura satisfacción, sea lo último que veas en este mundo, el destino ha hecho su trabajo haciendo que en esta bonita noche nos hayamos encontrado, uno de los dos no olvidará el encuentro. No hay tiempo para el amor ni la amistad, sólo quiero sentirme letal, por eso te necesito."

-Firmado, "el imitador Bateman".

sábado, 3 de noviembre de 2007

Pearl Jam: Story Tellers (I)

Edward Louis Severson III nació un 23 de diciembre de 1966 en Chicago, la tercera ciudad con mayor número de población en Estados Unidos y más conocida como "La ciudad del viento". A principios de los ochenta, Edward se separaba de su familia y se iba a vivir a San Diego después de años de enfrentamiento con el que por entonces creía su padre. Un año mas tarde, Eddie recibía la inesperada visita de su madre, decidida a contarle lo que le había estado ocultando durante tantos años, quien hasta ahora Eddie había creído que era su padre, realmente no lo era.
Su desafortunada historia la reflejó en la canción 'Alive', uno de los primeros éxitos de Pearl Jam, impulsores del movimiento grunge (de desconformismo musical y social) por el que entonces, en los lejanos años 90, comenzaron a sentirse identificados miles de adolescentes.




miércoles, 31 de octubre de 2007

Reverendo Gore os desea un desagradable Halloween


"Es inútil que reces.Si Dios hubiera querido salvar tu culo, yo no estaría ahora aquí."
-Reverendo Gore.

Crónica de Sitges 2007: Festival Internacional de Cine de Cataluña

Resumen del Festival de Sitges:

Este año el Festival Internacional de Cine Fantástico y Terror de Cataluña, celebrado en la costera ciudad de Sitges, concentró de nuevo a miles de personas que ansiosas hacían fila frente a los cines en los cuales se proyectaban las más de 100 películas que se presentaron al festival.
El Festival de Sitges, primer festival de cine fantástico del mundo nacido en 1968 como 1ª Semana Internacional de Cine Fantástico y de Ter
ror, conmemora el 40 aniversario del nacimiento del festival, homenajeando en esta ocasión para la imagen del acto al filme de ciencia ficción Blade Runner, película de la cual se proyectaba el último montaje realizado por su director, Ridley Scott.
El Festival
Internacional de Cinema de Catalunya abrió el día 4 de octubre su 40ª edición con El Orfanato, película de J. A. Bayona, protagonizada por Belén Rueda y producida por Guillermo del Toro, que está cosechando excelentes críticas en su camino rumbo a los premios de la Academia del Cine y de las Artes en Hollywood, los conocidos Oscars.
Además, junto a la cinta de Bayona, Sitges 07 se convirtió en un gran escaparate de la producción fantástica española, representada por títulos como Rec, de Jaume Balagueró y Paco Plaza; Los Cron
ocrímenes, de Nacho Vigalondo; El Rey de la Montaña, de Gonzalo López-Gallego; El último justo, de Manuel Carballo, o la película de animación Nocturna, de Adrià García y Víctor Maldonado, entre otras.
La pequeña producción y el cine independiente también tuvo representación en el festival, presentándose cintas como The Last W
inter, Stuck con la presencia de Mena Suvari, The Ten (una sucesión de gags cómicos sobre los Diez Mandamientos) o Waz (“un Saw multiplicado por Seven”, en palabras de su director).
Por otro lado, el festival también acogió la entrega de premios a figuras como George A. Romero, que re
cibió el gran premio honorífico Sitges-Festival Internacional de Cinema de Catalunya, Robert Englund, homenajeado en el Festival haciéndole entrega del premio honorífico “La Màquina del Temps”; otros como Álex Proyas (El cuervo,Dark City), el diseñador Syd Mead o Jesús Franco (La novia ensangrentada) también se les hizo entrega del premio La Máquina del Tiempo.
Sin embargo, y sin menospreciar ninguno de los filmes presentados, los
auténticos protagonistas del festival fueron las películas dedicas al cine de terror, algunas mencionadas en este breve repaso al festival (Rec), y otras de las que hablaremos a continuación.

Las películas más esperadas del Festival: crítica de un aficionado al género

'El diario de los muertos': La vuelta de un clásico

George A.Romero vuelve a la zona cero de la historia de los muertos vivientes en su primera película independiente después de dos décadas. Cuando un grupo de estudiantes de cine que ruedan una película en el bosque descubren que los muertos recientes regresan a la vida, deciden dirigir sus cámaras a la realidad de los horrores a los que repentinamente tendrán que enfrentarse, creando así un diario en primera persona sobre los sangrientos encuentros entre los supervivientes y los muertos vivientes.
La realización, sin financiación por otro lado, de una película de terror por Jason Creed y un pequeño equipo de una escuela de cine, se convierte en la excusa perfecta por medio de la cual la película toma el papel de un terrorífico documental, testimonio grabado del encuentro de los protagonistas con los zombies.
'El diario de los muertos' supone el regreso del director George A.Romero a sus orígenes, después de la que fuera la última entrega de su saga sobre el “mundo zombie”, ‘La tierra de los muertos vivientes’, una mediocre y “barata superproducción” con la que Romero pretendía poner punto y final a la historia que comenzó hace casi 40 años.
Con esta película, Romero vuelve al estilo de dirección del que fue pionero y al que pudimos descubrir gracias a su opera prima, La noche de los muertos vivientes (1968).
Su primera película redefinió el género, no sólo por su violencia explícita, sino también por su satírica visión de la sociedad americana que reflejaba la agitación de aquella época.
Ahora, Romero nos presenta El diario de los muertos, su película más personal en la que comenzó a trabajar a finales de 2006, y que se enorgullece en describirla “como salida del alma. No es ni una segunda parte ni una versión. Es todo un nuevo comienzo para los muertos”, como bien explicó a todos los asistentes durante la rueda de prensa celebrada en Sitges el 6 de Octubre con motivo de la presentación del film.

'REC': Zombies “a la española”

La última apuesta al consabido género de zombies (este año, auténtico protagonista del festival con varios títulos como American zombie o Flight of the living dead) ha sido dirigida por Paco Plaza y Jaume Balagueró. Bajo el nombre de Rec, de la cual ya se está preparando el remake americano de título Quarantine, se presentó una de las cintas más aclamadas del festival.
“La reformulación del género de zombis más estimulante rodada hasta la fecha en España”, como se ha calificado, está planteada como una película de terror que propone vivir al espectador una experiencia de horror genuina.

La cámara se convierte en el testigo directo de la lucha de los protagonistas por conseguir salir vivos del edificio. Si bien, y a pesar de la utilización de una simple videocámara para la grabación de la cinta, la película de Balagueró no abusa de los estrambóticos movimientos de cámara de los que hacían galas otras películas del género de terror, y aprovecha cualquier oportunidad para mostrar espeluznantes imágenes por medio del uso de este tipo de dispositivo de video: la falta de luz, los golpes y baja calidad de sonido cuando se golpea la cámara, e incluso el uso de la visión nocturna que protagoniza la secuencia más escalofriante de todo el metraje.
A pesar de las peculiaridades en las que se mueve la propuesta (narración en “tiempo real”, actores prácticamente desconocidos y la originalidad con la que se desarrolla el argumento) que la hacían merecedora del premio a mejor película dentro de la Sección Oficial, sólo pudo llevarse el premio a “Mejor Actriz”, otorgado a la protagonista de la cinta, Manuela Velasco.

'Hot Fuzz': La primera comedia británica de acción

Hot Fuzz (que aquí nos llegará como “Arma Fatal”) es la nueva comedia de los creadores de la popular Shawn of the Dead, rebautizada en su momento con el espantoso título de ‘Zombies party’.
Escrita por el director británico Edgar Wright y protagonizada por Simon Pegg y Nick Frost (protagonistas de la anterior incursión de Wrigth en el cine de “terror”), Hot Fuzz nos cuenta la historia de Nicolas Angel (Simon Pegg), un excelente agente de la policía londinense cuyas cifras de arrestos superan en un 400% a la de cualquier otro agente, motivo por el cual es trasladado al pequeño pueblo de Sandford. La plácida y en apariencia libre de toda actividad criminal villa de Sandford cambiará cuando una serie de “trágicos accidentes” lleven a Angel y a su compañero Danny Butterman (Nick Frost) a pasar a la acción y descubrir que se oculta tras el pueblo “más seguro” y plácido de toda Gran Bretaña.
Pegg y Wright se arriesgan de nuevo con esta cinta, convertida en la respuesta inglesa a las explosivas películas de acción al estilo americano. La “lógica de las palomitas”, la acción frenética y la mala continuidad del argumento, propias de la “Ley de [Jerry] Bruckheimer” (como bromeó el propio Edgar Wright al hablar sobre Hot Fuzz), se ponen al servicio de esta comedia británica en la que la acción al estilo de una producción de Michael Mann, se combina con la narrativa de una película de terror y gore al estilo tradicional (no en vano son admiradores de las andanzas de George A. Romero) , y en la que no faltara ni la sangre ni los tiroteos.
Hot Fuzz se proclama como una ingeniosa invitación al cine, un giro interesante respecto a la fórmula habitual de las “buddy movies” (películas -generalmente- policíacas de compañeros) que pretende retorcer las convenciones del género, y que se convirtió en una de las cintas más aplaudidas durante su proyección en el Festival de Cine Fantástico y Terror de Sitges de este año.

'Á L’interieur': La maternidad puesta a prueba

Á l’interieur (Inside) se trata del debut de los jóvenes realizadores galos Alexander Bustillo y Julien Maury. La película se proyectó en Sitges siguiendo de cerca el polémico rastro de filmes como Irreversible de Gaspar Noé o Haute Tension de Alexandre Aja, después de que fuera presentada en la pasada Semana de la Crítica de Cannes, considerándola una de las películas más sangrientas del cine francés de los últimos años, lo cual (en realidad) no es decir mucho.
La historia de una embarazada soltera a punto de dar a luz se convierte
en una propuesta bañada de gore y ultraviolencia, en la que la mencionada protagonista pierde a su marido en un accidente de tráfico, vivirá una experiencia traumatizante al recibir la “desagradable visita” de una extraña desconocida en el interior de su propia casa.
Si bien, el mérito de la película recae tanto en la originalidad de su historia (la cual no pretendo revelar a fin
de no desvelar la resolución de la trama), como en la dirección artística, que trata, con bastante éxito, de imitar las películas importantes de terror, con un cierto paralelismo a La semilla del diablo (Rosemary’s baby). Con un poco de suerte, no tardará en convertirse en un clásico de la misma forma que lo fue la cinta que tenía como protagonista a Mia Farrow...tiempo al tiempo.

'Dead Silence' y 'Halloween': La revisión del género

Los creadores de la interminable franquicia Saw presentaron en el festival la última excentricidad del género de terror, Dead Silence.
Dead Silence
, una de las apuestas más terroríficas del festival, se inspira en filmes como El muñeco diabólico, aprovechando las posibilidades de la producción (una impecable factura técnica, efectos especiales o maquillajes truculentos) para dosificar al máximo una película que apuesta por el susto fácil y previsible, que al final, es lo que funciona y gusta al público.
El remake de Halloween, clásico que marcó un hito en el cine de terror de los 80, llegó en la recta final del Festival de Sitges, a cuya presentación acudieron los actores Ken Foree (El amanecer de los muertos) y Kristina Klebe, protagonista en el papel que una vez hizo famosa a Jaime Lee Curtis. Intentando revitalizar una saga que comenzó a decaer (como es tradición en el género) a partir de su segunda entrega, el músico y director Rob Zombie (La casa de los 1000 cadáveres, Los renegados del diablo) nos acerca al origen de Michael Myers (el slasher creado por John Carpenter), a su infancia, mientras que la segunda parte de la película, retoma la historia del filme original, dando un “inesperado” giro a la captura de Myers.

'Frontiére (s)' y 'Teeth': Las grandes decepciones del festival

Frontiére (s), primer largometraje del francés Xavier Gens, se alzaba como una de las grandes promesas del festival dentro de laa Sección Oficial de cine fantástico. Lamentablemente, tanto para público como para los que apostaron por ella (directores y productores), se quedó sólo en eso, en una promesa.
La ópera prima del director Xavier Gens intenta mezclar el potente mensaje político (de crítica al enfrentamiento de ideologías en la sociedad) con “ecos de filmes de los 80 y del slasher americano”, como se presentaba en uno de los diarios publicados durante el transcurso del festival, y en el que a los protagonistas “se les trata como ganado”.
El argumento de Frontiére(s) no sólo copia terrores baratos y truculentos; también sabotea otros de peso como La matanza de Texas o Carrie; y es que el absurdo del guión proporciona situaciones consabidas y la originalidad de la película consiste en extremar la rareza y el dolor de cada ejecución, amigo tras amigo.
Por otro lado, está Teeth. La presentación de Teeth llegó a Sitges acompañada de su director Mitchell Lichtenstein y uno de los actores protagonistas, John Hensley, al que hemos podido ver en la serie norteamericana Nip/Tuck.
La película nos pone en la piel de una joven puritana que descubre algo “anormal” en sus órganos reproductores, no falta decir que el título hace referencia a ello. Narrada en clave de comedia agridulce, Teeth se vale de la sátira para atraer al espectador y a una adolescente protagonista que sufre más prolongada y psicológicamente que cualquiera de sus “víctimas”.
A pesar de ser una de las triunfadoras del pasado Festival de Sundance, parece que (al igual como otras) le precedía la fama ganada para intentar ganarse al público, un público que salió francamente decepcionado de la proyección de una película que sólo vende obscenidad barata, eso sí, sin ninguna pretensión de enseñarla.

martes, 30 de octubre de 2007

Meat Loaf-Bat Out Of Hell

A pocos les sonará el nombre de Michael Lee Aday. Puede que algunos oídos privilegiados seguidores de la cadena VH1 reconozcan su nombre, el cantante más conocido bajo el apodo "artístico" de Meat Loaf.
Aparentemente desconocido, al que muchos asociareis con el personaje de Bob en 'El club de la lucha' de David Fincher o por su fantástico número musical en 'The Rocky Horror Picture Show', Meat Loaf ha sido desde que iniciara su trayectoria (hace más de 30 años) un artista que, en su momento, fue introducido nada más y nada menos que por el propio Christopher Lee en el programa estadounidense Saturday Night Life, claro está como artista musical invitado.
Su album debut, Bat Out Of Hell (literalmente, "Murciélago fuera del infierno") ha vendido más de 37 millones de copias. Después de 30 años, las ventas se estiman entre las 200.000 copias anuales, y ha permanecido en las listas de éxitos musicales durante más de nueve años.
El disco, compuesto por siete canciones (cada una de ellas lanzada como single), contó con la colaboración del compositor Jim Steinman, amigo personal de Meat Loaf, que entre 1972 y 1974 estuvo trabajando junto con el solista para sacar su carrera adelante.
¿Por qué he seleccionado esta canción para el día de hoy? Sin duda, no ha sido una decisión que haya reflexionado demasiado. No hay más razón que dentro de aproximadamente (y menos) de 48 horas, se celebrará la noche de Halloween, o dejando de lado convencionalismos yankis, el Día de Difuntos (o Día de Todos los Santos), una noche que como bien marca la tradición nos hará disfrazarnos (incluido un servidor de su alterego Reverendo Gore), visionar clásicos del terror o sucumbir al poder de la cerveza o los dulces "achocolatados", ambas opciones perfectamente combinables.
Os dejo con esta gran canción, que (sentimentalismos a parte) a un servidor aún le provoca levantarse del asiento, simular micrófono en mano e intentar imitar la sesgada voz de Meat Loaf.



"Like a bat out of hell
I'll be gone when the morning comes
When the night is over
Like a bat out of hell I'll be gone gone gone
Like a bat out of hell I'll be gone when the morning comes
When the day is done
And the sun goes down
And the moonlights shining through
Then like a sinner before the gates of heaven
I'll come crawling on back to you"

lunes, 29 de octubre de 2007

La Chaqueta Metálica (II): Ánalisis del film

Los personajes

La primera mitad de la película, que tiene lugar en el campamento de entrenamiento para marines de la isla de Paris, cautiva al espectador con el objetivo de que el mismo no pueda despegarse de la pantalla ni tan siquiera cuando llegue la segunda parte.
La brillantez de la primera historia recae sobre las asombrosas interpretaciones de los actores R. Lee Ermey (Sargento Hartman) y Vincent D'Onofrio (Recluta Patoso). R. Lee Ermey fue elegido para la película, de hecho, gracias a su carrera como Instructor de Marines de los EEUU y a una cinta en la que veíamos a Ermey proferir toda clase de insultos durante más de 15 minutos, a pesar de que Kubrick pensó en el actor Clint Eastwood para interpretar el papel de Hartman.
Ermey interpreta a un personaje en la línea del clásico estereotipo del instructor militar, apoyando su actuación con realismo y por otro lado, una “magnífica y obscena creatividad”, ridiculizando al resto de protagonistas con toda clase de insultos e improperios, para así conseguir que el público odie al personaje, a pesar de que en la práctica suceda todo lo contrario. Parte de la interpretación de Lee Ermey como el Sargento Hartman se basa en una exagerada muestra de masculinidad y comportamiento misógino, una crítica encubierta de Kubrick a la naturaleza de la “masculinidad” o del machismo más aberrante de la sociedad actual y de la época. Por otro lado, la transformación del inocente papel de D'Onofrio al de un psicópata es magnífica. D’Onofrio, que ganó peso para interpretar a su personaje cual Robert De Niro en Toro Salvaje, consiguió hacerse con el papel después de que Anthony Michael Hall (El club de los Cinco, Una chica explosiva) lo rechazara por su extrema dureza.
Mientras que en la realidad el personaje de D’Onofrio habría sido expulsado a las poca semanas, la historia de Kubrick requiere la presencia de ese personaje, marcando el paralelismo con los otros reclutas y la batalla personal entre los mismos y el sargento Hartman, que finalmente se resuelve con la muerte de Hartman y el suicidio de “Patoso”. Para este momento, Kubrick recurre a su encuadre favorito, el ángulo en el que la cámara abarca la cara del personaje, un marco visual que usó en trabajos como La naranja mecánica y El resplandor, y que nos adelanta el resultado de la escena. En la segunda parte, Kubrick parece querer contar la historia personal de cada uno de sus personajes, de como la guerra les ha afectado, pero la falta de práctica (a la hora de representar la naturaleza humana) se convierte en un intento forzado de abarcar las vivencias de cada uno de los protagonistas y de representar a cada estereotipo de marine en el poco metraje del que dispone para ello.

‘La chaqueta metálica’ a estudio

La chaqueta metálica ha sido frecuentemente criticada debido a la falta de cohesión narrativa entre el primer y el segundo acto de la película. El primer acto, que contiene una tremenda y frenética energía (al ritmo de su dirección), se opone a la mediocridad de la segunda parte, que nos muestra la misma Guerra de siempre que tantas veces ha sido mostrada en pantalla. A pesar de que en la película podríamos distinguir tres registros o “niveles de acción” (el entrenamiento, el periodismo militar y el mundo de las trincheras, y la masacre de la guerra),la película se encuentra dividida en dos partes: el campo de entrenamiento y la Guerra de Vietnam en sí misma.
En la primera parte de la película, el metraje se centra en la figura del Recluta Patoso (Vincent D’Onofrio), protagonista indiscutible de la primera pieza, y en su relación de dependencia con el recluta Bufón (Matthew Modine). En la segunda parte, el protagonismo se centra más en la figura del Recluta Bufón y su pelotón. Mientras que en la primera parte al recluta Bufón se le encarga el “cuidado” del recluta y fracasa, en esta segunda parte, “Bufón” entabla amistad con “Rompetechos”, compañero inseparable que se muestra como la oportunidad de redimirse de la culpabilidad de haber formado parte en el suicidio del recluta Patoso. Aunque en un primer momento, la segunda parte deja ver que “Bufón” rechaza tener a “Rompetechos” como compañero, finalmente, es este segundo quien acaba salvando al primero,y no al revés como se suponía, en la escena final de la película, cuando evita que “Bufón” sea acribillado por la francotiradora norvietnamita.
Por este y otros motivos, La chaqueta metálica de Stanley Kubrick parece realizada a imitación de un libro de relatos cortos más que una novela en sí. La maestría narrativa de muchos de los “pasajes” de la película, contrasta con otros que dan la impresión de haber salido de uno de los primeros borradores de la película. Este detalle sorprende en especial viniendo de un director que siempre se ha caracterizado por el perfeccionismo en todo su material.
Lamentablemente, otro defecto de la película es fijar un marco temporal claro. La imprecisión a la hora de determinar cuanto tiempo pasan entrenando, salvo si se realiza un estudio comparativo teniendo libro y película a mano, confunde en determinados momentos al espectador, que ve como de la noche a la mañana éstos se transforman en marines y son enviados a la guerra. Sin embargo, Stanley Kubrick consigue paliar ese defecto con un estilo narrativo que no tiene nada que envidiar al de la novela en la que se basa: secuencias de una realización magnífica, planos magistrales...todo contribuye a pasar por alto este detalle insignificante.

La dirección de Kubrick: una realización perfecccionista

La película se convierte en una sucesión de secuencias largas, muchas veces abusando de la combinación de planos fijos y móviles intercalados, y de la cámara lenta en los últimos minutos de la cinta para impactar al espectador, ralentizando y manteniendo el momento de extenuación o pánico (en función de la escena): vemos a Kubrick usar la cámara lenta para dramatizar el duro entrenamiento de los reclutas o la tragedia de la muerte de los compañeros de escuadrón (aprovechando el increíble trabajo de los impactos de bala).
Los planos de situación son un recurso muy usado, dándonos una visión general y de perspectiva del campamento y del campo de batalla. Los encuadres de las escenas se convierten en auténticas instantáneas, representaciones visuales del momento que pretenden captar la acción como si de un cuadro o un óleo se tratara. También, hay que mencionar que durante las escenas de diálogo, siempre aparecen dos personajes protagonistas en pantalla. Kubrick aprovecha varios recursos teatrales, uno de ellos, la del diálogo entre dos únicos protagonistas de la escena, mientras el resto actúan de fondo o marco para la escena. Incluso, parece que los personajes se desplazan y se mueven dentro de un escenario teatral.
Varios momentos de la película se tratan de verdaderos ejemplos de planos secuenciales, a pesar de que interrumpe de vez en cuando la continuidad para ofrecernos un punto de vista alternativo a la acción. Su estilo visual marcaría a futuros cineastas y directores como James Cameron (tanto para su saga Terminator como para la irreverente e “irreal” conducta de los marines americanos en Aliens).
No hay ninguna duda de la estrategia narrativa de Kubrick con la secuencia de cierre de la película. Después de mostrarnos como Bufón disparaba con su pistola a la moribunda francotiradora de origen vietnamita, Kubrick pasa a mostrarnos un largo plano de los soldados marchando de izquierda a derecha por la pantalla, apuntando a las figuras silueteadas de los soldados “desfilando” entre los escombros de Hue. Entonces, en el corte final de la película, Kubrick rompe “deliberadamente” la regla de los 180º, y ahora vemos a “Bufón” en un plano medio junto a los otros avanzando de derecha a izquierda, pero manteniendo la continuidad con la banda sonora. Otra más de las pequeñas excentricidades que Kubrick se permitió en la dirección de La chaqueta metálica.